28 de Febrero. Patsy Cline Crazy.

Álbum: Patsy Cline Showcase. 1961
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En el mundo de la música popular se pueden trazar tendencias : hay músicas que se adelantan a su tiempo marcando desarrollos futuros, y otras que se atrasan repitiendo esquemas ya superados. A veces se da la paradoja de que sonidos que ya parecían anticuados cuando salieron a la luz, con el paso de los años se vuelven cada vez más interesantes. Este sería el caso de Patsy Cline. Cuando en 1962 aparece el disco Patsy Cline Showcase, del que se extrae este excepcional Crazy,  lo que se puede oir es un country totalmente crepuscular. Si pensamos en la música que empezaba a sonar en 1962 , Beatles por un lado y rock'n'roll por otro , y lo comparamos con la imagen y la música que podemos apreciar en el vídeo, lo que encontramos son ya fórmulas superadas: en los coros The Jordanaires que acompañaron también a Elvis, y la producción del mítico Owen Bradley, puro sonido llamado countrypolitan ( es decir el intento de dar un toque urbano a lo que no es sino música rural).
Con el paso del tiempo , sin embargo , temas como este Crazy logran una intensidad mayor. Quizás porque reflejan algo más intemporal , un tema de desamor , la especialidad de Cline , que se dan y se darán siempre. Da igual que nos vaya mejor o peor en esos terrenos, son temas que pueden llegar muy dentro.
La propia historia de la grabación de Crazy es legendaria. A Patsy no le gustaba nada la canción que había compuesto Willie Nelson y la consideraba de muy difícil interpretación. Las discusiones con el productor, Bradley , fueron fortísimas. Sin embargo, el resultado es una de las cumbres de la música popular del siglo XX.
Patsy murió dos años después en un accidente de tráfico. ¿ Qué música podía haber hecho después?

27 de Febrero. John Coltrane: My Favorite Things.

Álbum: My Favorite Things. 1960
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En jazz se llama un standard a un tema musical conocido , generalmente extraido de un musical de Broadway, sobre el que se hacen una serie de improvisaciones a cargo de los solistas del grupo. Usualmente , al principio el grupo toca conjuntamente las notas escritas del tema en cuestión, a continuación y sobre esa base cada solista se va alejando progresivamente volviéndose la melodía casi irreconocible, al final se remata la pieza con la vuelta de todos a la partitura escrita. Por supuesto que en todo el proceso, la sección rítmica  ( contrabajo y batería ) siguen acompañando al solista de turno.  Lo que hizo el saxofonista John Coltrane a lo largo de su carrera con My Favorite Things ( tomado del musical The Sound of Music, en España Sonrisas y lágrimas) excede muy ampliamente todo lo que hemos dicho anteriormente. Desde 1960 , cuando graba esta versión que da nombre a su Lp del mismo título , hasta su muerte 7 años después , el saxofonista graba este tema hasta 18 veces. John se llegó a obsesionar con estas innumerables versiones que nunca son una excusa para que el grupo improvise. Existe hasta una tesis doctoral dedicada a analizar las diferentes versiones que Coltrane hace del tema. Quizás una demostración de que lo que te apasiona una vez en tu vida , no te llega a abandonar nunca.

Añado un vídeo de la versión de Broadway que fue la que impresionó a Coltrane , y no de la contenida en  la película Sonrisas y lágrimas que no llegó a rodarse hasta 1965.

26 de Febrero. The Supremes: You Can't Hurry Love

Álbum:The Supremes A' Go-Go. 1966

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Paradojas de la cultura estadounidense: allí donde reina el individualismo más exagerado, se valora y se ejerce con eficacia el trabajo en equipo, ( Ejemplo deportivo: el american football, como ajedrez humano donde un equipo de elementos individuales intercambiables lucha contra otro ) En el cine de la edad dorada de Hollywood, el producto final era más resultado de la compañía ( Paramount, 20 th Century Fox, etc) que del director. En la música pop encontramos el ejemplo más relevante en la Motown. Fue una discográfica que fundó Berry Gordy , un empresario con experiencia musical previa ( coautor de varias canciones de Jackie Wilson, Reet Petite entre ellas). El nombre provenía  de que Detroit, donde estaba situado el sello, era la Motor Town ( la ciudad donde han estado hasta ahora las fábricas de automóviles). Empezó su andadura con un primer éxito llamado premoritoriamente Money, compuesto por el propio Gordy y  que llegaron a versionear los Beatles. Durante los 15 años siguientes encadenó un éxito tras otro en las maravillosas voces de  Mary Wells, Marvin Gaye, The Temptations, The Four Tops, Gladys Knight & the Pips, The Commodores, Martha and the Vandellas, Stevie Wonder o The Jackson 5, por citar sólo alguno de los principales. Todos, a pesar de su genio individual, tenían algo en común : los mismos músicos de estudio, muchas veces el mismo equipo de compositores, una producción parecida ( mucho más pop que  la que se hacía en otras compañías de música soul como Atlantic o Stax.) Donde se nota más ese sello de la casa es, quizás, en the Supremes, ese trío femenino donde llegó a destacar la gran Diana Ross que llegaría ser pareja del propio Gordy. En el tema elegido, You Can't Hurry Love. composición como casi siempre del equipo de compositores de la casa ( Lamont Dozier/Eddie Holland/Brian Holland), apreciamos todas las cualidades del sello.

25 de Febrero: Schubert: Impromptu op 90, número 4. K.Zimerman.

Juguemos a aplicar estereotipos : pénsemos en un músico romántico que muere a los 31 años sin lograr que la mayoría de su música sea estrenada y en medio de grandísimos problemas económicos.¿ Qué música puede resultar de todo esto? Supongo que todos apostaríamos por una compleja y triste.Si, en cambio, escuchamos las obras compuestas por Franz schubert ( que es a quien corresponde el retrato previo) lo que aparece es casi lo contrario : una música que tiende a la simplicidad y que es básicamente alegre ( aunque es cierto que aquí y allá aparece una ligera sombra) . Schubert llevó una vida feliz , a pesar de las adversidades, y se vio caso siempre rodeado de sus amigos en en interminables veladas musicales en las que se interpretaban sus obras ( Hoy día se conmemoran esas sesiones con el nombre de Schubertiadas) Todos esos rasgos los encontramos en esta deliciosa pieza: el Impromptu  op 90, número 4. Interpreta uno de los grandes especialistas en el autor:el polaco K.Zimerman.

24 de Febrero. Fabrizio De Andrè: Crêuza de mä

Álbum: Crêuza de mä. 1984
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Que Fabrizio De André es uno de los grandes de la música italiana y de la mundial debería ser evidente para cualquiera que conozca su obra, y que , por ejemplo, en España casi  nadie sepa quién es, tambien nos dice mucho de la ignorancia musical que hay entre nosotros para todo aquello que no sea música pop anglosajona o ,en el caso italiano, del tipo balada romántica. Este genovés, que es un auténtico miembro de la generación del mayo del 68, hace canción protesta pero con una sólida base musical que incluye desde Dylan o Cohen hata el folklore ligur o sardo. He dudado si elegir dos de sus canciones más conocidas, La canzone di Marinella y Andrea, pero la primera está muy ligada a la versión que de ella hiciera Mina ( hay unas famosas declaraciones de Fabrizio diciendo que gracias a la versión de Mina no terminó convertido en un abogado), y en la segunda hay demasiada influencia del Dylan de Desire. Al final la escogida es Crêuza de mä cantado en dialecto genovés del álbum del mismo título de 1984, donde hace una investigación tanto filológica como musicológica. El título hace referencia a una especie de camino que va del mar a la colina y por donde  los marineros retornaban a tierra ( se pueden ver en el vídeo)

23 de febrero. Bilie Holiday: Mean to me.

Álbum: The Quintessential Billie Holiday, Vol. 4 (1937)
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Las grabaciones más personales y dramáticas de Billie Holiday son las de los años 50 ( ejemplos Strange fruit, Lover man..) En ellas destaca su voz cansada y doliente. Yo, sin embargo, prefiero los años 30 , especialmente las grabaciones que comparte con Lester Young y otros miembros de la orquesta de Count basie. Son canciones en su mayoría claramente inferiores a la valía de orquesta y solista, pero Billie las canta extraordinariamente y los solistas como Lester, Johnny Hodges o buck Clayton hacen una gran labor. Una de las mejores es esta canción de desamor: Mean to me de 1937.

22 de Febrero.The Silhouettes: Get a Job.

Álbum: American Graffiti.
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¿Qué podían hacer, a finales de los años 50, unos chicos de barrio , generalmente negros o italianos, a los que les gustaba la música nueva que iba surgiendo y no tenían dinero para comprar instrumentos? Lo mejor era formar un grupo vocal en el que a una voz solista le acompañaban voces de diferentes tesituras haciendo el papel de los diversos instrumentos. El género que se formó es el delicioso doo-wop ( en español du-duá) en el que abundan las formas onomatopéyicas y los delirios vocales. Por supuesto que se le fueron añadiendo instrumentos de verdad y hasta arreglos orquestales ,pero se siguió conservando esa estructura vocal. Generalmente tratan de temas banales , amores de adolescentes, pero en el tema que he elegido, el excepcional Get a Job de The Silhouettes ( casi un grupo de un sólo exito) hay una temática social: al protagonista le recuerda su mujer constantemente que consiga un un trabajo. Esta joya se encuentra en esa maravillosa recopilación de rock'n'roll y de doo-wop que es la banda sonora de American Graffiti.

21 de febrero. Bach Minuetto BWV 116.Ton Koopman

 El Minuetto BWV 116 de Bach es sin duda una pieza menor dentro del impresionante conjunto de sus obras. Sin embargo, podemos encontrarle un significado especial si se repara en que está en el libro de composiciones que dedicó a su segunda esposa Anna Magdalena. Anna fue la segunda esposa del compositor y había sido soprano antes de conocer al maestro. Esta pequeña pieza está incluida dentro de un conjunto de composiciones breves, que probablemente Anna tocaría sola en los pocos momentos libres que le permitieran la crianza de los doce hijos que le dió a su marido y la labor de de copista que hacía de sus partituras. Otra posibilidad sería que se interpretara en las veladas familiares, cuando Johann Sebastian ya no tuviera que atender a los príncipes y obispos para los que hacía su música. En ambos casos nos encontraríamos con un Bach íntimo, sencillo y familiar. A la muerte de su marido, y como cualquier viuda de la época, Anna pasó bastantes penurias económicas pero nunca quiso vender las partituras que poseía escritas a mano por su esposo.

20 de Febrero. Ray Barretto: Indestructible

Álbum: Indestructible. 1973
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La receta con la que se hace la salsa es tan compleja como reconocible a la primera audición: tomar unas gotas ( el son montuno, la cumbia , merengue, la guaracha, el guaguancó, mambo, chachachá...) procedentes de toda la América latina, especialmente Cuba,  República Dominicana, Puerto Rico, Colombia, Venezuela, Panamá, etc. Agítese convenientemente en una olla en la que haya todavía aromas procedentes de los ritmos afroamericanos . El resultado debe presentarse al público en el formato de una gran banda con multitud de instrumentistas ( congas, timbales y metales abundantes). Ese fue el producto que se comercializó en la ciudad de Nueva York, hacia 1970 , con el nombre de Fania All-Stars. Cualquiera de sus discos o vídeos nos acercan a lo exhuberante de su música y son altamente recomendables. Algunos de aquellos artistas destacaron individualmente como el que traigo hoy: Ray Barretto, también conocido como el hombre de la mano dura. Fue un conguero que dirigió su propia banda y que tuvo éxitos como este Indestructible , todo un canto de autoafirmación. Una advertencia : el vocalista no es Ray Barretto.

19 de Febrero. Keith Jarrett: My Song.

Álbum: My Song, 1977
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Keith Jarrett es un músico poliédrico. De jazz y de clásica . Con su piano eléctrico y con el acústico. De sideman de la época eléctrica de Miles Davis ( In a silent way debería sonar aquí algún día) a líder de su propio cuarteto o quinteto. Sus actuaciones improvisando en solitario como  en el famoso Köln Concert son memorables.Sus discos interpretando standards en formato de trio ( Vol 1, vol. 2...) también muy destacables. Lo que he escogido ( sugerido por mi amigo Josep) es uno de sus temas más famosos: My song del disco del mismo título. Está grabado con una banda escandinava donde destaca el saxofonista noruego Jan Garbarek.Como todo el disco,  este tema nos transporta a un lugar mágico situado en algún punto remoto y etéreo , donde reina la armonía. El disco pertenece al sello ECM lo que ya es una pista de lo apacible que va a resultar su sonido.

18 de Febrero. The Records: Starry Eyes.

Álbum: Shades in Bed.
Información sobre el grupo.


La situación ideal para un auténtico fan es descubrir a un grupo que casi sólo conoces tú y disfrutar enseñándoselo a los amigos. En cierto modo esa difusión, que se realiza gustosamente, es hasta contradictoria: por un lado deleita la idea que sólo lo conozcan unos cuantos conocedores como uno mismo, por otro consideras la música tan buena que piensas que debería llegar a más gente. Cuando esto no llega a producirse y el grupo sigue siendo ignorado, la situación llega a ser frustrante. A mi me pasa eso con este Shades in Bed , un disco de The Records aparecido en 1979. Se trata de un excelente ejemplo de power-pop. Lo oí en Radio 3 , ¿ dónde si no ? , y sólo pude conseguirlo de importación con la ayuda de Antonio, de la tienda Doble A , casi recién innagurada entonces. De forma para mi increible , tanto grupo como disco continuan siendo tan desconocidos , que años después en Inglaterra ni siquiera he podido conseguir el Cd, sino tan sólo una antología del grupo. Tampoco puedo poner el habitual enlace informativo de allmusic : ¡no existe¡

17 de Febrero. Sibelius: El cisne de Tuonela. Leopold Stokowski .

Según nos cuenta la colección de los poemas del Kalevala, Tuonela es el reino de los muertos de la  mitología finlandesa. A su alrededor existe un río donde nada eternamente un cisne negro majestuoso y siempre cantando. Con este nombre , El cisne de Tuonela, compuso Sibelius una de las cuatro partes de las que consta su suite de Lemminkäinen ( el nombre es el del héroe protagonista del Kalevala) .  Destaca en la pieza el solo de corno inglés que recrea uno de los cantos dedicados a la muerte mas hermosos que se hayan compuesto nunca. En el vídeo se pueden observar los bocetos preparados por el equipo de Disney para una versión de Fantasía que no llegaría a realizarse.

16 de Febrero. Serge Gainsbourg La javanaise.

Álbum: Bonnie and Clyde. 1968
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Para mí, Serge Gainsbourg es uno de los grandes genios de la música pop del siglo XX. Conviene decirlo así,  de esta forma tan rotunda, para intentar compensar de alguna manera el olvido o al menos el desprecio al que se somete a su obra. Se habla de él más por los escándalos que se asociaron siempre a su figura , por su presencia en los medios de comunicación rodeado de las grandes starlettes femenninas de la época ( una impresionante lista en la que están Brigitte Bardot o Jane Birkin,) que por lo excepcional de su música. Un ejemplo de como el escándalo eclipsa la apreciación de sus valores musicales : Je t'aime... moi non plus es una de las grandes canciones de la historia de la música pop y sin embargo para mucha gente de su época , y sorprendemente todavía 40 años después, sólo tiene un dudoso valor como producto pseudopornográfico)
Sege quería provocar y lo consiguió desde luego ( su versión de La Marsellesa con ritmo reggae, Aux Armes et caetera , soliviantó a la extrema derecha francesa) , su duo con su hija Charlotte de entonces 13 años cantando Lemon incest todavía hoy levantaría muchos ampollas en nuestra sociedad. Uno de sus grandes trabajos, Histoire de Melody Nelson, es hoy difícilmente recuperable al tratar de los amores con una adolescente.
El tema que he escogido es La javanaise, que me parece muy representativo del estilo de Serge , al mismo tiempo que emblemático de su concepción de la vida: el amor que dura lo que se tarda en bailar una danza javanesa. Por supuesto que hay versiones de esta canción  que hasta superan el original , por ejemplo la de juliette Greco, o alguna de Jane Birkin, pero mi propósito estaba en reivindicar al genio escondido tras esas grandes figuras femeninas.

15 de Febrero. Sonny Rollins: St. Thomas

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Sonny Rollins fue uno de los grandes saxos tenores de los años 50 y 60. Para algunos es comparable a John Coltrane con el que llegó a rivalizar en algún período. Pero Coltrane murió , lo que le dió una aureola mayor , y Rollins se sintió casi perdido sin un un rival digno de su talla. Uno de sus grandes discos es Saxophone Colossus, de 1956, que es tan bueno que el título no llegó a pensarse nunca que fuera una exageración. El título que abre el Lp es este excelente St. Thomas, que toma el nombre de una de las islas Virgen estadounidenses de donde procedían sus padres. Precisamente el ritmo calipso de la pieza procedería de una canción que le cantaba su madre en su infancia. En el tema además del saxo de Sonny, destacan el solo de batería del gran Max Roach y otro a cargo del pianista Tommy Flanagan que le acompañaría en parte de su carrera.

14 de Febrero. Neil Young: Heart of Gold.

Álbum: Harvest. 1972.
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Con el día de San Valentín me ocurre lo mismo que con algunos sentimientos religiosos : no respeto demasiado la creencia pero sí a los creyentes. Así que dedicado a los adolescentes,  ya sea de edad o de corazón, que se toman en serio ese invento comercial, aquí va este clásico del gran Neil Young. Se trata de Heart of Gold, extraído de su albúm Harvest de 1972. Tras disolverse Crosby, stills, Nash and Young, Neil graba este Harvest que será el mayor superventas de toda su carrera . Heart of Gold es una canción  simple, tanto en instrumentación como en acordes, que atrapa desde la primera escucha. La letra habla de esa búsqueda eterna de ese corazón dorado.Lo peor de la canción no está en sí misma sino en lo que se ha abusado de ella desde entonces , tanto en versiones como en reproducciones a cargo de jóvenes aprendices de guitarra. Si alguien se queja de que no sea suficientemente amorosa , según la letra ese corazón dorado no llega a alcanzarse nunca, se puede consolar pensando que mi primera intención era programar otro clásico de Neil Young llamado Only Love Can Break Your Heart.

13 de Febrero. Purcell: Music for a while. Alfred Deller.

Hace unos años la película Farinelli puso de actualidad el tema de los castrati. Recordemos que se trataba de aquellos niños de bella voz a los que se les extirpaba, antes de llegar a la pubertad, sus atributos viriles para que siguieran cantando de la misma forma. El motivo fundamental para hacerlo estaba en que, en los siglos XVII y XVIII, las mujeres tenían prohibido el acceso a los escenarios ( por ejemplo en las obras de Shakespeare los papeles femeninos tenían que ser interpretados por hombres ) y se necesitaban voces que sonaran como las de las mujeres. Otro método, y desde luego no tan salvaje,  para lograr el mismo resultado estaba en imitar con técnicas de falsete ese tipo de registros agudos. Así surgieron en la misma época, los contratenores : hombres que cantan con técnicas especiales como si fueran mujeres. No quedan ahora , afortunadamente,castrati  pero sí contratenores. Y la grabación que presento es de uno de los pioneros en los años 70 en la la recuperación de esta técnica de canto: Alfred Deller, interpretando aquí una de las delicias del compositor inglés Henry Purcell. El oyente no debería pensar en ningún tipo de ambigüedad sexual en el contratenor. Por muy asombroso que nos resulte, se trata tan sólo de una técnica vocal. Este recurso , también llamado falsete , ha sido utilizado de manera puntual en grabaciones de soul, por ejemplo. Y llegó a ser la base del éxito de los contratenores más famosos de la historia de la música: los Bee Gees.

12 de Febrero. B.J. Thomas: Raindrops Keep Fallin' on My Head.

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Ser uno de los grandes nombres de la música pop del siglo XX , sin apenas haber grabado más que unos pocos discos , sólo lo puede hacer un genio como Burt Bacharach. Junto con Hal David , este en el papel de letrista, son una de las parejas de compositores mejores del siglo XX, quizás sólo comparables a Lennon y McCartney.Sus temas han sido éxitos en interpretación de Dionne Warwick, Sandie Shaw, the Walker Brothers, Herb Alpert, Tom Jones o Dusty Springfield, entre otros. Pero no se trata sólo de que sea un gran compositor,  sino que es además el creador de un tipo de sonido que a veces ha sido ridiculizado llamándolo música de hilo musical o de ascensor. Su peculiaridad es una elegancia especial que se puede apreciar en este Raindrops Keep Falling on My Head de la banda sonora de Butch cassidy & Sundance Kid ( en español Dos hombres y un destino ) canta B.J. Thomas.

11 de Febrero. Original Dixieland Jass Band: Livery Stable Blues

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En la música americana del siglo XX, ya sea de jazz , blues o rock, los músicos blancos  se han aprovechado de la creatividad de los negros y han triunfando masivamente con ideas ajenas. Cuando  Bill Haley en 1956 graba el primer disco en el que aparece la palabra rock ( Rock around the clock ), esta aprovechándose de la música de rythm and blues que llevaba años haciendo lo mismo.Y tampoco significa eso que la música de Haley sea despreciable , ni tampoco que su esfuerzo no repercutiera finalmente en favor de los músicos negros, pero está claro que Haley era inferior artísticamente hablando a las las grandes figuras que lo rodeaban. A la Original Dixieland Jazz Band que presentamos hoy, le pasa algo similar : se trata de la primera orquesta de jazz ( en la carátula del disco aparece escrito jass )  que graba un disco. Son músicos blancos y por supuesto son más postizos que originales, pero supieron difundir este tipo de música , en concreto el estilo dixieland , durante los años que van del 1917 al 1923. Son fantásticos como se puede comprobar en este gran éxito de la época Livery Stable Blues ( con los instrumentos imitando animales de granja). Pero tras oirlos surge la inevitable pregunta: si esto es tan bueno, ¿ como serían los grupos negros de la época que no pudieron llegar a grabar? Sin duda superiores y , forzosamente más creativos.

10 de Febrero. Richard Hawley: The Ocean.

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Richard Hawley tiene una trayectoria artística que resulta tan singular como su propia música. Nacido en 1967, durante los años 90 se convirtió en un apreciado guitarrista que tocaba en giras de grupos de éxito como Pulp, o que acompañaba las grabaciones de estrellas como Robbie Williams o Beth Orton. Se trataba , por tanto , de ese tipo de "session man", del que nos hablaban The Kinks en su canción del mismo título,al que "no le pagan por pensar sino sólo por tocar". En el año 2001 su suerte cambió y empezó a tocar y grabar sus propias canciones. Sú música resulta excéntrica ( entre rock y otra cosa más indefinible ) y ante la dificultad de calificarla, se le etiqueta habitualmente como un crooner y se le liga a nombres como Sinatra (baladas que reflejan problemas sentimentales ) Roy Orbison ( la voz de barítono y el hecho de que sean baladas con cierto ritmo ) y Scott Walker ( por ser otro de los que se resisten a las etiquetas). En mi humilde opinión, son etiquetas perezosas ( ¿ hay alguna etiqueta que no lo sea? ) y que en este caso no resultan demasiado útiles.
La grabación que he escogido es The Ocean , la sublime canción que brilla con luz propio en su mejor disco ( Coles Corner). El título alude a un local de Sheffield, la ciudad inglesa de donde procede Hawley. Se trata de una esquina donde las parejas acuden a citarse y, que por sus dos puertas permite una retirada si se decide cambiar de opinión en el último momento, y es muy representativo del tipo de situaciones que describe su música : personajes en busca de un amor que no terminan de encontrar. El viernes actúa en Murcia, donde podremos comprobar si en directo es tan emocionalmente intenso como aquí.


Vídeo.

9 de Febrero. Wagner : Obertura de Tannhäuser. Georg Solti , Chicago Symphony Orchestra.

El 21 de enero hablaba de placeres culpables. Hoy lo haré de placeres que en una primera fase pueden ser calificados de inconfensables y luego ,superado ese momento, de incomprendidos. se trata de la música de Wagner.En un entorno progresista hablar del músico favorito de Hitler despierta miradas de suspicacia. Si encima confiesas que no sólo es que te gusten algunas cosas ( sí, claro, ¿ a quién no le gusta la cabalgata de las walkirias? ) sino que has oído todas sus óperas repetidas veces en distintos formatos vhs, dvd, discos , especialmente la edad dorada de los años 50 ) y que no sólo te gusta su música sino incluso las obras completas como ejemplo de construcción dramática de gran literatura, las miradas pueden llegar a ser de clara alarma. Es cierto , los herederos de Wagner se codearon con Hitler y los jerarcas nazis , e , incluso el propio músico tiene algunos escritos detestablemente antisemitas. Pero , sí se atiende a su música todo cambia. Dejarse arrastrar por esta obertura de Tannhauser,  sin prejuicios algunos , es adentrarse en una de las óperas más románticas de Wagner. Es una experiencia que, sin duda te puede cambiar irremediablemente. En lainterpretación elegida Georg Solti dirige a la Chicago Symphony Orchestra.

1ª parte.



2ª parte.

8 de Febrero. Thelonius Monk: Brilliant Corners.

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Thelonius Monk es un personaje insólito en la historia del jazz. Hacia 1948 formó su estilo, compuso sus principales temas y se mantuvo casi inalterable durante los siguientes 25 años. Le importó muy poco que al principio se le considerara como un pianista y compositor extravagante . El siguió haciendo lo mismo hasta que el resto de los músicos fue reconociendo su valía.  Entre medias, una composición suya Round midnight se hizo famosísima y recibio decenas de versiones. Lo más paradójico de todo es que ese alrededor de la medianoche,  aunque sea un excelente tema, es casi el menos representativo de su música, ya que tiene un corte melódico del que suelen carecer el resto de sus temas que tienen un ritmo bastante más cortante.La escucha de Monk no es fácil a la primera,  pero una vez que te atrapa es difícil resistirse a sus encantos aunque sea escuchando sus innumerables versiones de los mismos temas de siempre. El tema que he escogido da nombre  al que está considerado su mejor LP ( Brilliant Corners de 1956) y quizás  su propio título nos defina algo de su peculiaridad: no es una música de la calle principal sino  que hay que encontrarla brillando escondida  en las esquinas.En este tema además le acompañan ,entre otros, dos genios: el saxofonista Sonny Rollins  y el batería Max Roach .

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7 de Febrero. The Clash: London Calling.

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¿Cuál es el mejor disco de los años ochenta en cuanto a música rock y pop? Para muchos críticos , se trataría de London calling de los Clash. El único argumento serio para estar en contra de tan rotunda afirmación, sería que en realidad el doble lp ( fue comercializado a precio de uno) apareció en 1979. Aquellos dos vinilos, que algunos todavía guardamos como oro en paño, contenían una colección de canciones magníficas sin ningún material sobrante. La portada era también espléndida, reflejando la energía musical de aquel momento. The Clash procedían del punk, pero en este doble supieron integrar muy bien otros géneros que estaban en el ambiente:  reggae, rockabilly, ska, inclusos sonidos procedentes de otras tradiciones más lejanas como New Orleans, la lounge music..etc. La canción que he elegido es la que da título a la colección. En ella se nos cuenta una trama apocalíptica, la última llamada desde Londres después de haber sufrido un ataque nuclear. En la letra hay  un verso que me encanta por lo provocativo : La Beatlemanía ha mordido el polvo.

6 de Febrero. vainica Doble: Habanera del primer amor.

En un país musicalmente normal ( y eso incluiría tanto una industria como locales para giras en condiciones y, lo que resulta más decepcionante por su ausencia, unos gustos musicales consolidados) un dúo como Vainica Doble habrían triunfado ampliamente. Sí, es cierto que tampoco ayudaba que fueran siempre a contracorriente  ( no hacían canción protesta cuando todos los demás , no eran rock sino algo más inclasificable en otros momentos.) Así el dúo formado por Carmen Santonja y Gloria Van Aerssen tuvo que refugiarse en la música de cine e incluso retirarse en determinados momentos. Que sus canciones exquisitas fueran reivindicadas por gente de la movida como Carlos Berlanga y Fernando Márquez,  o de la música indie como Family, no tuvo mayor repercusión en el gran público y tan sólo sirvió para demostrar el buen gusto de alguno de sus admiradores. La canción que he elegido Habanera del primer amor me parece que es una de las grandes canciones de amor de la música española.


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5 de Febrero. Mozart: Concierto para piano nº 21. Andante. Dinu Lipatti.

De nuevo la excusa de que sea una pieza utilizada en una película , me permite poner un movimiento aislado de una obra clásica. En este caso se trata de uno de los más momentos más logrados de los conciertos para piano de Mozart. El segundo movimiento, Andante, del número 21 es algo casi de otro mundo. Los especialistas lo ligan a La Flauta Mágica, su ópera más famosa. En el mundo anglosajón se conoce a este pasaje con el nombre de Elvira Madigan , debido a una película sueca en la que aparecía. A raíz de aquello, alcanzó una poularidad tremenda y , se ha vuelto a utilizar en otras muchas películas. Interpreta al piano uno de los grandes mozartianos que ha habido en la historia, el rumano Dinu Lipatti , que muriera prematuramente en 1950 con tan sólo 33 años.

4 de Febrero. Bob Dylan: A Hard Rain's A-Gonna Fall.

Álbum: The Freewheelin' Bob Dylan. 1963
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Bob Dylan ( 1ª entrega)
Hacia 1962 Robert zimmerman llega a New york procedente de la rural Minnesota. Se va a abriendo camino en los locales bohemios de Greenwich Village y llega a recibir las bendiciones del moribundo Woody Guthrie, que podíamos decir que le pasa el relevo de la canción protesta. En 1962 publica su segundo disco y su primer obra maestra , The Freewheelin' Bob Dylan , (se podría traducir como el informal o deshinibido Bob Dylan), en él hay muchas canciones buenísimas y sobre todo dos obras maestras : el mítico Blowin' in the Wind , y, la que he escogido, A Hard Rain's A-Gonna Fall. Esta fuerte lluvia que va a caer es tan fantástica musicalmente como plenamente actual en su letra . Si en su momento se interpretó como un aviso de lo que podía suponer un holocausto nuclear, ahora se puede leer como un aviso sobre los efectos del cambio climático. El recurso de de la madre preguntando al hijo sobre los horrores que está viendo le añade un elemento más dramático a la letra. Un consejo para esta y todas las canciones de Dylan: si se puede escuchar entendiendo la letra muchísimo mejor.

3 de febrero. Miles Davis: Boplicity.

Álbum: The Birth of the Cool.
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Miles Davis . ( 1ª entrega )
¿ He podido estar más de 30 días sin poner música de Miles Davis? No me lo puedo creer. Para compensar inicio un ciclo cronológico que intentará cubrir la gran variedad de estilos que desarrolló Miles durante su larga vida musical. ( que nadie se asuste el ciclo no será seguido)  Vamos a saltarnos su primera etapa como colaborador de segunda fila en grabaciones de grandes del bebop como Charlie Parker o Dizzy Gillespie, y no es que no sean temas importantes para la historia del jazz, pero el jovencísimo Miles no brilla demasiado en ellas. Su primera grabación como líder corresponde a las sesiones de 1949 con un noneto que innaguró un nuevo estilo : el llamado cool. El disco se llamó precisamente  The birth of the cool y , en él como va a ocurrir a partir de ahora y durante casi 40 años , Miles va a estar rodeado de los mejores nuevos músicos de cada momento. En este caso aparecen estrellas futuras como  Kai Winding, Gerry Mulligan, Lee Konitz, John Lewis o, sobre todo , el arreglista Gil Evans con el que colaborará bastante en el futuro. Cualquier tema del disco es absolutamente recomendable pero, ya que había que escoger sólo uno, este Boplicity  puede ser un buen ejemplo. Atención a los solos a cargo del saxo barítono de Mulligan , la trompeta del propio miles y el piano de Lewis. El arreglo es de Gil Evans.

2 de Febrero. Getz/Gilberto : The Girl from Ipanema.

¿ Cuál es el tema brasileño más conocido en todo el mundo ? La respuesta es bien sencilla: La chica de Ipanema, claro. Pero las circunstancias en cómo esta maravillosa canción logra tener ese éxito mundial nos hablan , como tantas otras veces, de la importancia del azar en este tipo de éxitos o fracasos. Vamos a comprobarlo repasando su historia. La canción había sido escrita en 1962 por dos de los grandes de la música brasileña ,  Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, y estaba dedicada a una chica que pasó por delante de ellos en la playa de Ipanema , de hecho el título original era Menina que Passa. La canción triunfa en Brasil , por supuesto, pero sin llegar a traspasar fronteras todavía. Dos años después el saxofonista americano , Stan Getz , va a Brasil a grabar un disco que tiene un objetivo bien simple: se trata de adaptar a las sedosas formas de su saxo tenor los clásicos de la bossa nova. El disco es coprotagonizado por el guitarrista Joao Gilberto y además aparecen otros músicos brasileños sobre todo relacionados con los temas elegidos. El resultado es el maravilloso disco titulado simplemente Getz/Gilberto. ( ¿ qué no lo teneis en casa?. ¿ de verdad habéis podido vivir todos estos años sin disfrutarlo ? , Yo de vosotros me haría con él rápidamente.) Cuando van a grabar la Garota do Ipanema, a alguien se le ocurre una idea , ¿ por qué no añadirle unas estrofas en inglés ?, pero , ¿ quién las cantaría?, El inglés de Joao es bastante limitado. Afortunadamente por allí está su esposa Astrud, de soltera Astrud Weinert,hija de padre alemán y madre brasileña y que tiene una pronunciación inglesa bastante buena. El éxito será inmediato y tremendo. Acaba de empezar tanto la fama mundial de la canción como la carrera internacional de Astrud que a partir de este momento pasa a ser la cantante brasileña por antonomasia.

1 de Febrero. Rossini: Obertura de La gazza ladra. Claudio Abbado. Orquesta Filarmónica de Berlín.

Beethoven y Rossini se encontraron personalmente en 1822. Ambos conocían y respetaban la obra del otro genio, pero el italiano se sentía inferior: hubiera renunciado a todos sus grandes óperas cómicas por haber compuesto una sola de las sinfonías del alemán. Beethoven le tranquilizó," no cambie usted de estilo, siga haciendo sus obras cómicas y sobre todo componga más barberos ", le dijo. Aunque el joven Rossini no le hizo caso del todo , y compuso también obras serias , los elogios del maestro le reafirmaron en su autoestima. Quizás su sentimiento de inferioridad era del mismo tipo de los que consideran que una comedia cinematográfica es necesariamente inferior a un drama. También podría ser que la facilidad de composición musical que tenía el de Pesaro le hiciera creer que su arte tenía menos valor. Por ejemplo, el tema elegido , la obertura de La gazza ladra ( La urraca ladrona) parece ser que lo compuso en una sóla noche obligado por el empresario que le había contratado. Una observación : los que conozcan la obra  por la adaptación que hizo Wendy Carlos para la banda sonora de La naranja mecánica , deberán esperar al segundo minuto para que les empiezer a sonar la melodía.

31 de Enero. Jimi Hendrix: All Along The Watchtower.

Álbum: Electric Ladyland
Información.
En un plazo inferior a un año, entre 1970 y 1971, murieron por sobredosis tres artistas de primera fila del mundo del rock. A los tres ( Janis Joplin , Jim Morrison y Jimi Hendrix ) les unía no sólo el que su nombre empezara por J, sino sobre todo la potencia de su imagen exhuberante  que aunaba un gran atractivo sexual  junto con un mensaje de libertad. Por eso la imagen de cualquiera de ellos resulta todavía hoy un ícono que atrae nuestra mirada. Musicalmente eran diferentes , Janis la más clásica en su recreación del blues, Morrison experimentaba con músicas ajenas a la tradición del rock , y por su parte Hendrix, el que más me interesa de los tres,  hacía una música inclasificable e inimitable ( es cierto,  se pueden copiar imitar aspectos circenses como acrobacias con la guitarra, pero poco más) . En los tres casos su temprana muerte nos impidió saber donde podían haber llegado, aunque me parece que de los tres , Hendrix es el de carrera más completa. En el tema que he escogido , Jimi recrea , hasta hacerlo su propia creación , un tema de Dylan, All Along The Watchtower.